Propuesta de trabajo 3: Alteración del color

La  siguiente propuesta de trabajo consiste en la manipulación de uno o varios  elementos de una composición visual a nivel de color con el objetivo de alterar el significado del mensaje. Para la realización de esta práctica he escogido 3 tipos de imágenes diferentes:

 La primera imagen, corresponde a un cartel que da a conocer un festival llamado “Sons de inverno”   que cuenta con una programación de diferentes s actos musicales previstos para el mes de diciembre y enero. En el cartel original, el color predominante es el azul utilizado con diversas tonalidades para transmitir la sensación de frio y como consecuencia, a la estación de año más fría: el invierno. Por otro lado, el color blanco  es utilizado para transmitir la sensación de nieve como por ejemplo en las estrellas de nieve que aparecen en el cartel. Así mismo, el blanco incrementa la sensación de frio  combinado con el azul. Finalmente, el rojo de  “Ponte de lima” se utiliza para destacar las letras del conjunto de la composición y llamar la atención de lector. De este modo el lector reconoce a simple vista en lugar donde se realiza el festival.

En el segundo cartel, la intención era provocar una incongruencia entre palabras “Sons de inverno” y el uso de colores cálidos en la composición. Tradicionalmente,  las estrellas y los copos de invierno,  son elementos  representados con colores fríos, como los del cartel original. Sin embargo, al aplicar colores tropicales y vivos como el verde lima, el amarillo y  el naranja, el mensaje visual que transmite al lector es de cálido, energizante y veraniego. Finalmente, el rosa fucsia se ha utilizado para destacar la palabra “Ponte de lima” con la misma funcionalidad que el rojo en el cartel original.

- El amarillo: es el color de la luz, del sol, es estimulante, ácido, jovial.

- Verde lima: naturaleza, exuberancia, frescura, alegría, energía.

- Naranja: color cálido, atrevido, estimulante, simboliza entusiasmo y excitación.

- Rosa fucsia: calidez, distinción, luminosidad y  frescura.

  La segunda imagen, corresponde a un anuncio de ketchup de la marca Príncipe. El anuncio, haciendo uso de la publicidad subliminal, representa la salsa de tomate que sale del envase como  si fuera una lengua que lame una salchicha. El color tradicional para identificar el producto así como el de la lengua, es el color rojo-granate.

En la segunda versión del anuncio, el envase aparece pintado entero del mismo color granate, y la salsa de tomate con un color que nos recuerda a la mostaza. Esta alteración, elimina el mensaje subliminal del original (no existen lenguas humanas amarillas) y así mismo crea una incongruencia entre el envase (granate = ketchup) y el producto del interior (amarillo = mostaza). Con la alteración del color de la salsa transformamos el anuncio de otro producto, Mostaza Príncipe, y transformamos lo subliminal (lengua/salchicha) en incoherencia (envase/salsa). 

 La tercera imagen corresponde a la portada del libro Maldito Karma de David Safier. La novela es una historia divertida que invita a la reflexión sobre  nuestras acciones, valores y decisiones. La portada original, de acuerdo con la trama, es alegre e imaginativa, con colores vivos y formas abstractas sobre un fondo claro y neutro.

En el caso de la segunda imagen, la intención era transmitir una novela de superación cuya protagonista es una mujer envuelta en un mundo de tristeza, miedos, y recuerdos que debe superar. Para transmitir esa sensación de nostalgia he utilizado el color azul como  vinculado a la melancolía y tristeza así como el azul oscuro vinculado al sentimiento de nostalgia y depresión.  Por otro lado, opté por mantener el color negro por su simbología. El negro es ausencia de color y a menudo ligado a un simbolismo de mala suerte (gato negro), negatividad (pensamientos oscuros), rechazo (oveja negra), etc. Finalmente, las letras de la segunda imagen mantienen el color con un tonto más oscuro, para potenciar el dramatismo del significado literal del título junto con el resto de la composición.

                                                                                                                                                                                                                                                                   

Ejemplos de tipografía

 

Práctica 2

Alberto Caeiro

El “mestre” Caeiro  se presenta como el poeta de las sensaciones y de la naturaleza. Su poesía es representada desde un punto de vista primitivo y  captando el estado puro de la naturaleza y del propio hombre. Caeiro invita al lector a  contemplar la naturaleza guiándose  por los sentidos y descubriendo cada elemento a través de las sensaciones Es el poeta de la simplicidad completa y de la clareza total. En esta composición, opte por representar la combinación de esa contemplación por la naturaleza  a través de las sensaciones y esa simplicidad y clareza que caracteriza al “mestre”. Los elementos naturales son representados por las flores situadas en la parte inferior. Opté por situarlas en un primer plano, como punto de partida de lo que realmente importa.   Es a partir de ellas (de la naturaleza) que nacen unos “senderos”  (letras destacadas en gris) ondulados que fluyen y se dispersan por la composición en varias direcciones. Esta representación simboliza el renacimiento de un nuevo pensamiento libre en la que fluyen las ideas, es el “aprender a desaprender” que proclama Caeiro en su obra.  El resto del texto, expandido en el fondo, queda en un segundo plano como deben quedar según el autor las ideas y pensamientos que nos privan de sentir, y por tanto de vivir. En cuanto a la tipografía utilizada, opté por una tipografía clara, sin sheriff  que recuerda a la tipografía manuscrita como forma personal e intimista del “guardador de rebaños”.

Ricardo Reis

Ricardo Reis es el heterónimo que se identifica con la época neoclásica. Su forma de expresión encuentra referencias en el estilo refinado de la perfección divina y la belleza clásica. Reis crea a través de su poesía crea el equilibrio perfecto entre el placer de las emociones y la razón.

La composición visual intenta representar la idea de delicadeza a través de tonos claros, el equilibrio a través de la colocación en harmonía de los elementos y la transparencia de estos. El diseño, creado con el programa Macromedia Freehand Mx, tiene como objetivo transmitir l la sensación uniformidad y sutileza de la obra de Ricardo Reis. Esta sutileza se ve remarcada por el uso de tipografías clásicas y delicadas que simulan la letra manuscrita. Las “R” que aparecen en la composición en diferentes tonos con la tipografía Old Script transmiten ese refinamiento y perfección que identifica al poeta. La expresión Carpe Diem aparece en la obra del heterónimo como piedra angular, es el fundamento tanto de la escritura como de la personalidad de Ricardo Reis. La obra del heterónimo transmite ese mensaje de disfrutar cada instante como si fuera el último, la búsqueda constante de la felicidad como objetivo en la vida. Es por este motivo, que de manera simbólica consideré oportuno incorporar esa expresión  en la composición de manera que  las letras del texto  la forman, son las palabras de Reis las que transmiten el Carpe Diem. Otro elemento importante, ya comentado anteriormente, es la idea de belleza neoclásica, la perfección divina buscando los referentes en la Antigua Grecia. Es por este motivo que aparece la palabra “belleza” en cursiva y con una tipografía clásica para transmitir esa sensación de finura. En cuanto al fondo, consideré oportuno la disposición del texto con un tono gris casi imperceptible formando un velo transparente en harmonía con el equilibrio y sutileza de la composición. 

Álvaro de Campos

Campos es considerado el poeta de la modernidad que describe las sensaciones de movimiento y energía. Sujeto a la civilización industrial y mecánica, representa la desilusión, el desgaste y la fatiga del hombre preso de su rutina. La poesía de Campos se caracteriza por una cierta violencia y agresividad, así como la tendencia a la exclamación y la exageración mediante la hipérbole. Busca en el lenguaje poético, exprimir la energía o la fuerza que se manifiesta en la vida.  La composición, realizada con el programa de diseño vectorial Macromedia Freehand, intenta transmitir esa idea de mecánica a través de una rueda mecánica e industrial situada a la  derecha como motor principal. Esta sensación de rutina y mecanismo la encontramos en Oda triunfal:

“[…] ¡Oh ruedas, oh engranajes, r-r-r-r-r-r-r-r eterno!

¡Fuerte espasmo retenido de los maquinismos furiosos!

¡Furiosos fuera y dentro de mí

por todos mis nervios disecados,

por todas las papilas de todo aquello con que siento!

Tengo secos los labios, ¡oh grandes ruidos modernos!

De oíros demasiado cerca,

y me arde la cabeza de querer cantaros con el exceso

de expresión de todas mis sensaciones,

con un exceso contemporáneo de vosotras, ¡oh máquinas! [...]”

A través de la  combinación de tipografías agresivas (1942 report, Dead Kansas, Mom’s Typewriter ,  Nightmare’s, Rough_Typewriter…), la repetición de consonantes con sonoridad fuerte y vibrante como la “r” y colores fuertes (granate, negro, gris…)  se intenta  representar la agresividad, la furia, la hipérbole, la rutina y la intensidad. Por otro lado, se intenta transmitir la exageración a través del símbolo de la exclamación, así como  jugando con el tamaño de los elementos que destacan con el resto.  En cuanto a la disposición del texto, este se encuentra con un formato bicolor colocado de manera que simboliza la silueta de una ciudad industrial, con chimeneas de fábrica que forman parte de un engranaje que conduce a la esclavitud del ser humano. Finalmente, opté por un fondo blanco para dar un mayor énfasis a los elementos dispuestos en la composición.

Fernando Pessoa y sus heterónimos

Fernando Pessoa (1888-1935), es uno de los mayores poetas y escritores de la lengua portuguesa y de la literatura europea.  Dedico gran parte de su vida al periodismo, la publicidad, el comercio y, especialmente a la literatura. El autor publico gran parte de su obra bajo varias personalidades conocidas como heterónimos. Entre sus personajes más conocidos destacan: Alberto Caeiro, Ricardo Reis y Álvaro de Campos. A contuniación, se hace una breve descripción del estilo poético de cada uno:

Alberto Caeiro, el «mestre»

Alberto Caeiro, nacido en Lisboa en abril de 1889, es considerado el “mestre” en torno al cual se determinan los otros heterónimos de Fernando Pessoa, se presenta como el poeta de las sensaciones y de la naturaleza. Su poesía es representada desde un punto de vista primitivo y  captando el estado puro de la naturaleza y del propio hombre. Es el poeta de la simplicidad completa y de la clareza total. Detractor de la metafísica, afirma que debemos “aprender a desaprender” liberándonos de todo aquello que nos limite captar las cosas de forma clara y concreta.

Caeiro ve la realidad de una forma objetiva y natural, sin necesidad de profundizar en la existencia de los elementos. El “mestre” considera que es necesario aprender a no pensar, “O pensamento é uma doença dos olhos”, ya que las ideas y los conceptos nos privan de sentir y por tanto, de vivir.

El poeta, promueve una visión del mundo a través de los ojos de un niño, una mirada inocente y simple que describe la realidad tal y como es sin cuestionarla. Su poesía invita al lector a  contemplar la naturaleza guiándose  por los sentidos y descubriendo cada elemento a través de las sensaciones que nos producen.  Alberto Caeiro, acepta el mundo tal y como es, de forma tranquila, sin necesidad de dar explicaciones simplemente sintiendo. Rechaza cualquier tipo de explicación filosófica de la existencia, y afirma que conoce las Verdad de las cosas porque no las piensa “Com filosofia não há árvores, há ideias apenas”. Caeiro, es el poeta del presente, lo concreto e inmediato, no le interesa el pasado ni se preocupa por el futuro.

 

Ricardo Reis, el dominio de las emociones

Ricardo Reis, nacido el 19 de setiembre de 1887 en Lisboa, estudió en un colegio jesuita donde recibió una formación clásica y latinista. regida por principios conservadores. Médico de profesión, conservador y con tendencias monárquicas, hecho que lo llevó a vivir emigrado algunos años en Brasil. Reis es el heterónimo que más se aproxima al creador, tanto en el aspecto físico como psíquicamente. 

Discípulo de Caeiro, Ricardo Reis se identifica con la época neoclásica, recurriendo a la mitología grecorromana en busca de la perfección divina y la belleza clásica. Su forma de expresión encuentra referencias en el estilo refinado de los poetas latinos, al mismo tiempo que afirma que debe de haber, en el más pequeño poema, cualquier cosa donde se note que existió Homero. 

En sus poemas, Reis crea el equilibrio perfecto entre el placer de las emociones y la razón. Para el autor, el placer debe ser controlado de forma disciplinada por la racionalidad. De este modo, el hombre no sería gobernado por los instintos. Es el control de ese deseo insaciable el que nos aparta del desasosiego y nos aproxima a la harmonía entre cuerpo y alma.  El poeta aconseja la búsqueda de la felicidad con serenidad y tranquilidad, entendido como ausencia de perturbación del espíritu. El hombre debe aceptar su destino, manteniendo una lucha constante y moderada con todo aquello que amenace su sosiego. 

Su poesía transmite ese deseo por el equilibrio, estabilidad, regularidad y formalidad. En cierta medida, Reis llega a ser contrario a Caeiro basándose en un sensacionismo de carácter reflexivo, donde las emociones son controladas por la razón. Inspirado por la filosofía de Carpe Diem, invita a vivir cada instante como si fuera el último suspiro. Este camino para encontrar la felicidad no conjuga verbos en pasado ni futuro, sino en el aquí y ahora.

Álvaro de Campos, prisionero de la rutina

Álvaro de Campos, nació en 1890 en Tavira y es ingeniero de profesión. Estudió ingeniería naval en Glasgow y dedico parte de su vida a visitar oriente. Desilusionado con su viaje, decide regresar a Portugal para encontrarse con el maestro Caeiro. En el triangulo heterónimo, Campos se encuentra en el lado opuesto a Reis. Es representado como el poeta de la modernidad que describe las sensaciones de movimiento y energía. Sujeto a la civilización industrial y mecánica, vive inmerso en un mundo de avances tecnológicos que revolucionan la sociedad y las formas de producción. Campos es un entusiasta del progreso técnico. Al igual que “el mestre” se aproxima al sensacionismo y afirma que la sensación es la única realidad. Por otro lado, a diferencia de Caeiro, Álvaro de Campos se distancia del objeto en sí para centrarse en el sujeto y a su ansia por sentir.  

Su poesía se caracteriza por una cierta violencia y agresividad, así como la tendencia a la exclamación y la exageración mediante la hipérbole. Busca en el lenguaje poético, exprimir la energía o la fuerza que se manifiesta en la vida.  El poeta se abre camino por la conciencia de lo absurdo, la desilusión, el inconformismo, el desgate y la fatiga del hombre preso de su rutina. Nostálgico y pesimista, Campos considera que la felicidad se pierde después de la infancia, porque una vez disipada a condición de “no consciencia”, el hombre, dominado por las necesidades contemporáneas, es absorbido por una espiral perversa e irreversible. En resumen, la felicidad sólo se alcanza en un nivel de inconsciencia.

Origen de la tipografía

La escritura es un reflejo de una época. Nace en unas condiciones socioculturales, tecnológicas y  económicas determinadas y se transforman de acuerdo con los procesos de mecanización.  Es por este motivo, que la evolución de la escritura fue un proceso ligado a la práctica comercial y a la necesidad de representar elementos naturales y actividades cotidianas.

En los primeros signos de escritura, cada dibujo representa una idea, un concepto u objeto. A la vez, estas representaciones denominadas pictogramas, se combinan entre ellas para transmitir ideas más complejas. El primer pictograma del que tenemos constancia es una tablilla en piedra caliza hallada en la antigua Mesopotamia en la ciudad de Kish (Babilonia) fechada en el 3.500 a.C. Estas tablillas, se utilizaban para representar bienes y unidades de tiempo empleado en el trabajo.

Posteriormente, los sumerios considerados la civilización más antigua del mundo, desarrollaron ideogramas (símbolos que representan ideas asociadas menos concretas). Este sistema,  fue desarrollándose hasta dar lugar al sistema cuneiforme sumerio de escritura, basado en sílabas que imitaban el lenguaje hablado. La escritura cuneiforme tiene origen alrededor del 2800 a.C. y está  considerada como el primer alfabeto. El proceso de escritura, consistía en imprimir las letras  sobre tablillas de arcilla húmeda, usando un tallo vegetal biselado en forma de cuña, de ahí el origen de la palabra cuneiforme. 

De esta época, datan multitud de tablillas que contienen textos económicos, religiosos, poéticos, y legales, así como el famoso código de Hammurabi, uno de los documentos jurídicos más antiguos que existen. Finalmente, la escritura cuneiforme se convirtió en un sistema de escritura de propósito general para los logogramas, las sílabas y los números.

Hacia el 1.500 a.C.,  se desarrollaron en Egipto tres alfabetos: jeroglífico, hierático y demótico. De ellos el jeroglífico, basado en 24 símbolos consonantes, era el más antiguo. La escritura fue muy importante para mantener la cohesión del Estado egipcio. Sin embargo, la alfabetización se concentraba en una élite educada de escribas. El aprendizaje del sistema jeroglífico  era muy complejo y  aumentaba su dificultad a medida que se añadían más signos.

Los fenicios adoptaron el alfabeto egipcio en el 1.000 a.C. Poco después, fue adoptado también por los hebreos y los arameos, sufriendo con el tiempo una evolución propia en cada una de estas culturas. Así mismo, el alfabeto fenicio fue también adoptado por etruscos y griegos, y de ellos lo fue por los romanos, que en el siglo I ya manejaban un alfabeto prácticamente idéntico al actual, a falta de la J, la W y la V.

El Imperio Romano fue decisivo en el desarrollo del alfabeto occidental. Su dominio era también una cuestión cultural, por este motivo desarrollaron  un alfabeto formal, realmente avanzado, y lo difundieron por todo el Imperio conquistado. Fue entonces, cuando muchos territorios que tenían su propio lenguaje pero no contaban con un sistema propio de escritura, adoptaron el alfabeto romano o latino.

La escritura romana se conoce a través de inscripciones y papiros, los primeros caracteres trazados sobre piedra, metal terracota y tablillas de cera, se ejecutaban mediante cincel, pincel o pluma. La escritura adoptó tres estilos fundamentales:

Quadrata: Este tipo de letra, también conocida como mayúscula monumental,  eran letras mayúsculas cuadradas romanas, originalmente cinceladas en piedra, utilizadas en la escritura formal del Imperio. Su nombre deriva de las dimensiones de sus letras que tienden a ser de la misma altura y anchura, como si estuvieran inscritas en un cuadrado y todas ellas derivan de formas cuadradas, circulares y triangulares.

Es en este estilo que aparece por primera vez la serifa (pequeños adornos ubicados en los extremos de los caracteres tipográficos). Según Edward Catich, autor de The Origin of the Serif en 1968, la icorporación a la serifa se relaciona con el proceso de grabar en piedra las letras que serian señaladas  primero a golpe de cincel, colocando esas marcas para indicar el final de línea. 

Rústica: utilizada en versiones menos formales y más rápidas en su ejecución. La caligrafía mayúscula rústica tiene una forma similar a la anterior, pero menos rígida y rectilínea, debido a que fue concebida para escribir con pluma y tinta sobre papiro o pergamino en lugar de ser grabada como las mayúsculas cuadradas. Sus letras son más estrechas, más altas que anchas, comprimiéndose más para aprovechar el espacio. En las mayúsculas rústicas hay más líneas curvas y algunas tienen trazos que rebasan inferiormente a línea base, a diferencia de las mayúsculas cuadradas. 

Cursiva romana: su caracyerística principal es la inclinación de las mayúsculas.  Esta    forma de escritura, era usada para el día a día por ejemplo para las cartas, para las        cuentas comerciales, para la escritura en las escuelas y algunos de los decretos del emperador.

Como podemos ver, gran parte de nuestras tipografias son un legado de la unificación del imperio romano y el alfabeto latino. Así como la importancia de la serifa y la cursiva. Actualmente, en las imprentas tradicionales, las tipografías con serifa,  están destinadas para grandes cantidades de información, debido a que comúnmente se cree que son más cómodas de leer que las tipografías sin remate. Las paloseco se usan para pequeños extractos de texto y para aquellas ocasiones en las que se requiere una apariencia más informal que la apariencia seria de las tipografías con remate. Los tipos paloseco han comenzado a reemplazar a los tipos con remate en encabezados para lograr una apariencia 'más limpia'

Práctica 1

Los diseños mostrados a continuación intentan plasmar visualmente la composición musical la fée de la cantante francesa Zaz. Para ello, se ha tenido en cuenta los elementos de Comunicación visual así como el ritmo frenético de la música, el timbre femenino de la cantante, la sensación de vibración y la alegría que transmite la canción. La múscia escogida se caracteriza, entre otros aspectos por su rica complejidad armónica y melódica así como por su harmonía rítmica de los diferentes instrumentos que se van incoporando a medida que avanza la melodia. 

Los colores utilizados son naranja, verde, amarillo y fucsia. El naranja es cálido, estimulante atrevido, simboliza la energía y el entusiasmo; el verde es exuberancia,  simboliza frescura y alegría; el amarillo, color de la luz,  es jovial y ácido. Simboliza la alegría; el rosa fucsia es el color femenino, cálido, simboliza distinción, luminosidad y frescura. Combinado con el verde transmite cierta sensación vibrante.

En cuanto a las formas usadas tenemos en primer lugar los círculos representando la infinitud, la calidez y la protección como afirma D. A. Donis. En segundo lugar, las líneas amarillas transmiten la sensación de profundidad y movimiento tal y como expresa la canción empezando con pocos instrumentos e incorporando más a medida que avanza. La textura, transmitida por el color verde (frescura), aparece en forma de espirar para crear esa sensación de movimiento de vibración junto con el fucsia de las “estrellas” sugeridas por la combinación de puntos y líneas. Las técnicas de comunicación visual utlizadas son principalmente profusión (para trasnmitir enriquecimiento sonoro) y secuencialidad (para transmitir ritmo). Sin embargo, la técnica de asimetría que en un principio quise incluir en el diseño se quedó en un segundo plano, ya que preferí optar por una coposición en la que los elementos se disponen de forma circular para transmitir sensación de movimiento. Finalmente, los programas utilizados en la creación fueron Macromedia Freehand y Photoshop.

Técnicas de Comunicación Visual

Una vez seleccionada la canción y identificados los elementos básicos de comunicación audiovisual, nos queda escoger que técnicas vamos a escoger para realizar el diseño. Para esto, es importante escuchar con atención la música, cerrar los ojos y dejarnos llevar, anotar que nos transmite e intentar describirla:

La canción La Fée de  Zaz, empieza con una batería que marca un ritmo que se repite a lo largo de la partitura. A medida que avanza la música, se van añadiendo uno a uno los instrumentos (piano, bajo, instrumentos de viento…) que junto a la voz sensual, delicada y femenina forman una composición profusa y compleja. Cada uno de los elementos interviene marcando un ritmo individual que hace que la música avance en un conjunto perfecto.

En primer lugar, considero importante destacar la sensación de ritmo que transmite la canción, un padrón que se repite a lo largo de la partitura. Por este motivo, considero que la técnica de comunicación visual que se adecua mejor para representar esta regularidad es la Secuencialidad.

Por otro lado, la sensación de movimiento está también presente desde el principio de la canción con la introducción del piano y los sucesivos instrumentos. En este caso, considero oportuna la Asimetría como técnica para transmitir por un lado, la idea  de emoción presente tanto en la voz como en los instrumentos perfectamente coordinados; por otro lado, para transmitir la sensación de movimiento y complexidad.

Finalmente, llama la atención como a medida que avanza la canción, es cada vez más rica en ritmo, tono y timbres. Los instrumentos se van añadiendo a los pocos e intervienen cada uno con una sinfonía de forma coordinada hasta lograr una  composición profusa y compleja. Para transmitir esta sensación de enriquecimiento sonoro, poder y riqueza considero que la técnica más adecuada es la Profusión.

Profusión

Secuencia

Asimetría